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Le musée créateur? 8 août, 2012

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Écouté une bonne partie de la superbe entrevue de Stéphan Bureau avec Robert Lepage (Canal Savoir, dans la série Contact). De quoi alimenter une réflexion muséale. Muséale, me direz-vous?  Oui. Nos institutions se voient comme professionnelles, compétentes et bien organisées en divers domaines et gardiennes de savoirs et de patrimoines, plus rarement comme des créatrices.

Pourtant, notre travail au 21e siècle si tourné vers la diffusion, se compare à celui des créateurs, particulièrement à ceux qui comme Robert Lepage, jouent avec divers médias pour créer des univers à la fois intimes et universels.Répondant aux questions de Bureau, Lepage évoque les conditions qui stimulent lacréation : un « bon bordel », une certaine désorganisation propice au foisonnement qui favorise les accidents catalyseurs, un contexte qui
provoque les objets, les lieux, les détourne malgré eux de leurs fonctions  originales pour en faire des outils inédits d’évocation. Autre  condition, l’attention et l’écoute patiente du monde, de l’environnement, pour laisser le temps au temps de faire apparaître en nous les mondes qui se cachent derrière les apparences, comme le font les sculpteurs inuit qui, des heures durant, attendent qu’un rayon de soleil ou une ombre révèle sur une pierre, un paysage, un animal, un groupe de chasseurs, que leur talent taillera pour les faire apparaître aux yeux de tous. Il faut aussi accueillir les commentaires des collaborateurs et des spectateurs qui nous amènent plus loin. Il faut enfin considérer la création comme une aventure imprévisible, et non comme démonstration d’une thèse ou un cheminement complètement contrôlé.

Je serais étonné que, dans nos musées, on se soit beaucoup attardés aux facteurs qui favorisent le
processus créatif. La volonté de contrôle l’emporte probablement, plus souvent qu’autrement, sur le laisser faire créatif. La rapidité du processus  d’élaboration des expositions et des autres activités, nous précipite souvent vers des recettes et des idées convenues, au lieu de nous inciter à risquer, à faire des essais. Oser et ne pas avoir peur de se tromper, selon Lepage, c’est ce qui manque actuellement à notre société québécoise. C’est comme cela qu’on construit une œuvre, une manière, une voie nouvelle. La muséologie en a besoin, plus que jamais, avant que le mimétisme et le conformisme ne contamine toutes nos institutions.

Jean-François Leclerc, muséologue

Promenade estivale 3 – Les expositions dans des espaces non muséaux: Espace Création Loto-Québec 22 août, 2011

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J’aime bien les expositions qui habitent des lieux non muséaux.  Pour moi qui travaille dans une institution muséale, ces lieux inhabituels me semblent offrir un contact plus direct et accessible avec les œuvres.  Une promenade estivale m’a amené dans un de ces lieux, Espace Création Loto-Québec.  Mais c’est une galerie d’art, me direz-vous!  Oui, d’une certaine manière.  Pourtant, le public qui fréquente l’édifice en sait probablement peu de choses, la remarquant à peine en se rendant au travail ou en rêvant du gros lot qui changera une vie.  Rien des codes muséaux habituels, car l’espace se trouve en retrait, simple ouverture rectangulaire qui, sans la signalisation photographique bien présente, n’attirerait pas l’attention. http://lotoquebec.com/corporatif/nav/evenements-commandites/espace-creation 

Le commissaire a choisi une muséographie qu’on voit parfois dans les musées de civilisation ou d’histoire, mais rarement dans les musées d’art. L’exposition Entreprise collective présente les œuvres en grande partie québécoises tirées de collections privées d’entreprises dans un décor réaliste de bureau.  Elle est fondée sur une enquête audio-visuelle de Nicolas Mavrikakis sur la constitution de ces collections.  Demies cloisons, meubles fonctionnels occupés par la paperasse, les ordinateurs, les stylos et autres objets typiques – tasses, photos de famille.  Même le préposé de la galerie se fond au décor avec son bureau semblable aux autres. L’effet est si trompeur que l’ami qui m’accompagnait a d’abord rebroussé chemin, croyant être entré dans un…bureau de grande entreprise! 

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Si la surchar ge voulue de ce décor écrase un peu les œuvres, son cloisonnement, ses racoins si peu habituels dans les musées permettent de fureter à notre guise et de s’approcher des œuvres au-delà des distances normalement permises, le nez collé sur les vitres s’il le faut (il y a certainement quelques part des caméras tout de même?). Des Suzor‑Côté, Riopelle, Warhol, Pellan, Hurtubise, et de très nombreuses oeuvres d’artistes contemporains ont satisfait mes goûts éclectiques. Le plaisir d’avoir l’impression que tout cela est à notre disposition et nous appartient, ou presque, l’espace de quelques minutes.  Avant de retourner malheureusement dans de véritables bureaux où on rêverait presque de travailler.

Jean-François Leclerc

Muséologue

Centre d’histoire de Montréal 

Aqua au Musée de la civilisation de Québec ou l’auteur masqué 21 novembre, 2010

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Le musée élabore par ses expositions et ses activités sa propre vision de notre monde. Il fait des choix thématiques, esthétiques et éditoriaux en tenant compte des contraintes matérielles qui ont aussi un impact sur son propos. D’une exposition à l’autre, il écrit un récit, le sien, et celui de la collectivité qu’il dessert, comme tout créateur, cinéaste, metteur en scène média. Mais rarement signe-t-il ouvertement ses créations ou du moins, expose-t-il ses valeurs et ses partis-pris. Candidement, il laisse croire que, par son entremise, le visiteur aura un accès direct et non médiatisé à la connaissance. Or la réalité est plus complexe et subtile.

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Source:  http://www.onedrop.org/fr/projects/projects-overview/AquaNorthProject/Aqua/Touring.aspx

Il y a quelque jours, au Musée de la civilisation de Québec, j’ai assisté au spectacle  AQUA : un voyage au cœur de l’eau dont « les projections à 360 degrés, la musique, les effets visuels et les installations d’eau – l’eau est entièrement recyclée – les transportent dans une aventure où ils sont à la fois acteurs et spectateurs », comme le mentionne le site du musée. Même si le sujet ne m’attirait pas particulièrement (que peut-on encore apprendre sur l’eau après 40 ans de combats écologiques), je serais un visiteur curieux disposé à être émerveillé et touché.

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 Source: http://www.carrefourdequebec.com

Le spectacle qu’on promettait immersif l’était effectivement, mais modestement en terme d’expérience et de technique. L’interactivité se résumait à porter une goutte de plastique lumineuse qui s’allumait ou s’éteignait au gré du récit (une bonne idée mais la goutte devenait un peu encombrante et inutile une fois le spectacle commencé). À un moment, la guide nous invitait aussi à glisser nos mains sur l’écran 360 degrés pour créer des vagues virtuelles (me reste un doute sur l’effet réel de nos agitations, puisque l’animation semblait déjà bien programmée). Un faux puits placé au centre de la salle laissait couler de l’eau, bien réelle celle-là, au rythme de la projection. Une narration bilingue, quelques titres, mots-clés et statistiques évoquaient l’accès de plus en plus difficile à l’eau dans bien des coins de la planète. 

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Source: http://www.cnw.ca/fr/releases/archive/May2009/13/c3577.html

Au cœur de l’espace circulaire, nous étions plongés, c’est le cas de la dire, dans une succession d’images numériques d’eau en mouvement – au-dessus, en-dessous, dans les profondeurs, eau placide, troublée, agitée… Cette eau virtuelle était si pure, si bleue qu’on n’y trouvait pas trace des impuretés organiques de nos eaux trop terrestres. Cette image idéalisée se muait parfois en cloaque gris et brunâtre, tout aussi univoque, pour dramatiser les mises en garde sur la rareté de la ressource. Des silhouettes d’enfants s’évanouissaient les unes après les autres dans un nuage de fumée, illustrant l’impact dramatique de la pollution humaine et industrielle sur la mortalité infantile. 

Au cours du spectacle d’environ 20 minutes, je fus effectivement immergé, comme l’annonçait le musée, dans un sentiment de…vide! Cette production léchée aux messages convenus avait toute l’allure d’une publicité humanitaire.  Elle tranchait avec le souci habituel du musée de la civilisation d’expliquer, de débattre et de comprendre. Mon malaise n’était pas seulement une question d’humeur du jour. Le discret panneau de crédits le confirma : le spectacle était une production de la Fondation One Drop de Guy Laliberté, du Cirque du Soleil. Ce spectacle numérique présentait le même caractère universel, poétiquement apolitique, léché visuellement et neutralisé que l’esthétique du célèbre cirque. La Fondation One Drop avait assumé pleinement son message et sa manière de le transmettre. J’aurais aimé que le Musée l’annonce de manière plus…limpide.

Jean-François Leclerc

Muséologue

“Gros, très gros” ? L’avenir de la muséologie québécoise 9 octobre, 2010

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Un article de La Presse nous signalait mercredi dernier, la création d’un nouveau consortium muséologique sous le nom de X3 formé de grands joueurs de divers milieux créatifs que sont gsmproject, l’Équipe Spectra et la firme de communications Bleublancrouge.

http://www.cyberpresse.ca/arts/arts-visuels/201010/06/01-4329936-x3-veut-redefinir-lexperience-museale.php

Ils ont bien compris que le musée média est en pleine expansion, pour ne pas dire explosion, dans de nombreux continents où une conjugaison historique des moyens et des ambitions convainquent les grands de ce monde que le musée-média, le musée-branding est pour une ville, un état ou un pays une marque de modernité incontournable.

Les Québécois ont apporté à la muséologie mondiale des innovations et une créativité qui ont inspiré la muséologie européenne et mondiale.  Quelques firmes comme GSM en ont été les artisans avant de proposer leur expertise à l’international. Pour elles, l’avenir passe par le développement de marchés comme la Chine notamment où le rattrapage en culture comme dans d’autres domaines est fulgurant.

J’ai souvent regretté que la muséologie québécoise depuis quelques années semble faire du surplace, surtout dans le monde des musées qui mettent en valeur civilisations, sociétés, histoire et patrimoine, et qui par conséquent, doivent présenter une muséographie plus élaborée que les musées d’art et de collections. La qualité est partout présente et pour certaines expositions, l’originalité encore au rendez-vous, mais on doit constater la rareté des créations muséologiques marquantes.  Difficile de réinventer complètement l’exposition (allez voir les photos de certaines expositions d’Expo 67 pour vous en convaincre), mais cette tranquillité serait-elle le signe annonciateur d’un refroidissement de notre monde muséal alors que la planète semble s’éclater ? Tout est relatif, je l’admets, car bien des visiteurs d’ailleurs ne manquent pas d’apprécier notre ingéniosité par comparaison au classicisme qui marque encore nombre d’institutions muséales.  Ce qui ne m’empêche pas de vouloir plus.

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Pavillon des États-Unis à Expo 67

 Que promet la nouvelle compagnie  sur son site ? Elle veut « inciter le plus de gens possible à entrer dans les musées », « des expositions innovatrices ayant un contenu éducatif de haute qualité, un contenu qui sublime l’expérience du musée en faisant la part belle aux nouvelles technologies et à l’interactivité. » Ses valeurs : «le meilleur contenu scientifique et muséologique qui soit », «encourager l’apprentissage, plus particulièrement celui des jeunes », « favoriser la participation du public », «rendre l’expérience mémorable, touchante et divertissante », «créer une identité de marque et une stratégie de marketing d’envergure internationale.» 

  espacemontral.png Un des projets de GSM Project

Pour celui qui ne connaît pas les coulisses du monde muséal, voilà effectivement un engagement qui semble innovateur. Pourtant, au Québec, depuis plus de trente ans, si on tient compte de la petite révolution des centres d’interprétation des années 1970 et 1980, les musées petits et grands partagent tous ces préoccupations à divers degrés : innovation, branding, meilleur contenu qui soit, expérience « mémorable, touchante et divertissante ». Alors, comment  les intentions, la créativité et le travail en ce sens de nombreux musées peut-il produire cet apparent ronron de notre muséologie ? Risquons d’identifier certains facteurs défavorables: hormis quelques institutions nationales,  une majorité des institutions muséales de taille très modeste ; le manque de regard critique sur l’art muséographique, l’absence de spécialistes qui se commettent à commenter non seulement le thème des expositions mais aussi, leurs concepts, leur approche, leur manière de communiquer, en particulier pour les expositions d’histoire et de civilisation, contrairement à ce qui se passe dans tous les autres domaines de la culture, en art contemporain, en musique, en danse etc. ; le chevauchement des missions et des champs thématiques particulièrement à Montréal, un phénomène bon pour le public mais beaucoup moins pour le positionnement des institutions; le peu d’écrits par les muséologues eux-mêmes, universitaires ou praticiens, sur leurs pratiques et leur métier ; un milieu qui tend à être consensuel ; le souhait des gouvernements de plaire au plus grand nombre en évitant de faire des choix structurants, bien que les deniers des contribuables soutiennent de manière importante les dépenses d’immobilisation lors de constructions ou de rénovation de même que le renouvellement des expositions permanentes. L’esprit créatif québécois est bien vivant, notre passé de patenteux étant on ne peut plus propice aux arts et métiers muséologiques qui demandent d’allier chaque jour, imagination et sens pratique. Ce trait culturel est trop profond pour s’éteindre. Pourtant, une donnée évidente et fondamentale demeure : pour rester en tête, pour marquer son époque à l’ère d’internet et du multimédia, du Cirque du soleil et autres méga-attractions, une institution muséale, en tant que créateur contemporain, a absolument besoin d’argent et de ressources humaines compétentes et payées à la hauteur de son apport.

 X3 promet « gros, très gros » dit l’article. Pourtant, la muséologie québécoise depuis des lunes travaille avec des petits budgets, des petites équipes, des petits projets, dans des petites et moyennes institutions. Si l’innovation passe par le gros, le spectaculaire, le multimédia avec sa coûteuse technologie, il est presque certain que le Québec n’y participera pas ou peu. Au mieux, il mimera à postériori les réussites de ses créatifs travaillant à l’étranger au service de la muséologie mondiale. Mais consolons-nous : l’alliance de firmes vedette dans x3, dont deux ne sont pas issues du monde de la muséologie, nous laisse croire que certains ont compris que nous sommes à un tournant. On verra si c’était le bon.  Jean-François Leclerc 

Muséologue 

Montréal et la mode ou le défi des expositions dans des lieux inhabituels – la signalisation 6 octobre, 2010

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Nouvelle expérience d’exposition dans une galerie marchande.  Le hasard ou la nature du sujet lui-même, ont voulu que cette exposition soit présentée par le Musée du costume et du textile du Québec.  Le « Musée sort ses griffes » joli jeu de mots sur les pièces signées qui exprime aussi, j’imagine, la volonté de ce musée confiné dans une maison historique de Saint-Lambert sur la rive sud de Montréal, de sortir de ses murs et de…ses gonds.

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Le musée hors ses murs, voilà un défi stimulant comme je l’ai mentionné précédemment. L’exposition du Centre Eaton met en évidence par ses excès, peut-être, ce que celle à la place Ville-Marie faisait pas défaut, soit l’importance de se faire remarquer lorsque le lieu d’exposition est un espace surchargé de stimuli commerciaux et de déambulations pressées.  Le moyen?  Une signalisation qui joue non pas sur le dépouillement et le raffinement comme on pourrait s’attendre d’un sujet comme la mode des grands couturiers québécois, mais sur la saturation des signes, des couleurs, des mots.  De la porte aux allées, jusqu’aux colonnes, pas possible de la manquer.  Elle frappe fort, très fort. 

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Elle tapisse l’entrée, couvre une partie du sol, on la foule en montant les escaliers…L’exposition quant à elle prend place dans de belles vitrines, les vêtements sont installés élégamment, cela va de soit pour une exposition sur la mode, et dans certains cas, accompagnés de clips vidéos où les concepteurs de mode parlent de leur métier et de leurs créations. Chic et de bon goût, bien fait. 

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Est-ce que le public s’arrête ?  Lors de mon passage (un peu rapide, je l’avoue, une vingtaine de minutes), j’étais le seul à le faire. Comme tel, je me permettrai donc une opinion toute aussi solitaire en supposant qu’elle peut ressembler à celle d’autres visiteurs. La signalisation de l’exposition était finalement plus exubérante que l’exposition elle-même. Son graphisme multicolore et survolté avait peut-être le défaut de noyer le message de mots et de signes difficiles à décoder dans l’abondance de ceux qui encombrent les galeries marchandes. De plus, il manquait peut-être, comme je l’ai déjà signalé, un atout important pour nous orienter efficacement: une présence bien humaine pour nous accueillir, nous informer.

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 Après avoir franchi les portes du Centre Eaton sur la rue Sainte-Catherine, et avoir suivi pendant quelques mètres la signalisation sur le sol et sur les colonnes, je n’avais pu après quelques minutes trouver le début de l’exposition.  Que devais-je chercher ? Des panneaux ? Des vitrines ? Un lieu où serait concentré le mobilier d’exposition ? Des modules dispersés ? Sur laquelle des trois ou quatre mezzanines ? Perplexe, je revins sur mes pas pour aller au comptoir d’information.  « Madame, pardon, je cherche l’exposition ».  « Quelle exposition », me répondit-elle sans sourire. Je lui montrai la grande bannière qui surplombait sa tête.  « Ha.  Elle est plus loin, un peu partout. ». Sans plus. Mon intérêt pour l’exposition venait de diminuer et ce, malgré toutes les couleurs et tous les signes qui, sur mon chemin, avaient tenté de me convaincre. 

Jean-François Leclerc

Muséologue

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Les lieux de mémoire ou la permanence comme nécessité identitaire 24 juin, 2010

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stfabien200960.jpgChalet à Saint-Fabien-sur-mer

Les vacances approchent et le temps de vivre et dans mon cas, d’alimenter un peu plus ce blogue, je l’espère (et excusez la longueur des textes, qui ne font pas très blogues). Un week-end prolongé il y a deux semaines, à Saint-Fabien-sur-mer dans le Bas-Saint-Laurent, m’a permis d’aller dans le chalet d’une tante, aînée de la famille de ma mère, âgée aujourd’hui de 92 ans. Petit chalet de bois, aux formes très sobres et classiques comme la plupart des constructions de cette baie entourée de montages et d’îlets et de presqu’îles couvertes de forêts. Parfums de mer, de varech, de sapinage et d’églantiers (nos rosiers sauvages), et tant d’autres effluves qui en font une parfumerie à ciel ouvert et un bain visuel et sensoriel intense. Mais il n’y a pas que cela.  Auto-construit dans les années 1950 par mon grand-père et son frère, ce chalet a très peu changé depuis.  L’architecture traduit la modestie des moyens et des intentions, mais également un souci allant de soi à l’époque de s’inscrire dans la tradition des petits chalets qui depuis 1900 avaient commencé à border la rive. Ce qui dans le futur risque de ne plus être le cas si on en juge par certaines constructions récentes, pompeuses et dont l’architecture est directement issue de la banlieue. Si on s’y prend garde, bombardement de paysage en vue. Soyons optimistes, les résidents veillent. 

Il y a plus.  Ce lieu de repos au départ, est devenu d’année en année un lieu chargé de souvenirs, de mémoire, d’affects et de témoignages qui retrace, plus que nos intérieurs domestiques urbains, le parcours d’un clan, celui des Fortin et de leurs branches par alliance, depuis la fin du 19e siècle. L’intérieur du chalet et une partie de son mobilier hétéroclite installé au cours des années 1950 à 1970 sont toujours les mêmes : sofas des années 1940, courtepointes, couvertures tissées au métier et dentelles synthétiques, table salle à manger turquoise aux multiples couches de peinture, ustensiles et appareils qui témoignent de l’évolution des modes et de la technologie domestique (en particulier celle des grille-pains). Tout est encore là ou presque, un élément ou deux s’étant ajoutés discrètement au gré des visites de tantes, cousins, cousines et amis qui les uns après les autres viennent profiter de l’hospitalité de la doyenne du clan. Sans oublier la permanence de ce parfum caractéristique d’une maison de bois un peu humide où un petit poêle nourri de bûches grossièrement équarries adoucit les matinées nordiques un peut trop fraîches comme le fleuve maritime sait en offrir, même en plein été. Quand au décor, il s’enrichit par couches d’objets souvenirs déclassés des demeures de ville à la mode, de photographies de la parenté, de portraits ou cartes mortuaires de personnes aimées, de créations enfantines en argile de rivage, témoins d’une créativité spontanée sans complexe et d’un moment magique des enfances d’hier. Dans la bibliothèque aboutissent des livres de vacances, des romans d’aventures, des biographies mais aussi des ouvrages pieux d’autrefois qui ont survécu aux élagages sommaires de la propriétaire des lieux. Sans oublier les petites revues à potin des deux ou trois années précédentes, et des incontournables et impérissables Paris Match et Sélection du Reader’s Digest. La télévision, modèle rétro, a sa place bien discrète mais nécessaire pour accompagner les moments de farniente et de mauvais temps, car sa programmation cimente les relations entre les vacanciers. Le salon s’anime des conversations et commentaires badins sur les artistes, les politiciens et surtout, sur les étranges ou spectaculaires phénomènes de l’humanité et de la nature dont se délecte la télévision américaine et ses sous-produits locaux pour le plus grand plaisir du cerveau indolent du vacancier. 

Il y a plus.  Sous la télévision, une pile d’albums à la couverture de carton brun moiré nous fait entrer dans la mémoire visuelle du clan remontant aux premiers temps de la photographie. Ancêtres ridés et peu souriants à collets montés et coiffes de deuil, cartes mortuaires, photos de familles de studio où chaque enfant propret est bien aligné autour du fier couple de géniteurs, images de travail, de loisirs, de mariages et d’ordinations, bien des prêtres et des religieuses apparentées qui se mêlent aux  laïcs en costumes d’été et robes légères d’autrefois, images de nos propres séjours à des époques déjà lointaines aux modes désormais clownesques. Au-dessus de cette pile, des registres comptables recyclés en annales du chalet rendent les récits de ceux qui y ont séjourné. Une histoire, un mot, un souhait, toujours les mêmes, saluant la gardienne de ce lieu, la beauté du paysage, ou se plaignant de la rudesse du climat ou encore vantant le temps resplendissant qui, à chaque fois, est pris comme un cadeau inespéré de ce climat maritime et nordique. La permanence de ce décor a une grande vertu, celle d’agir comme chargeur de mémoire. Chaque objet, chaque ustensile, chaque photo ou bibelot fané n’ayant de valeur que comme déclencheur de souvenirs, du plus intime de sa propre histoire, d’étapes agréables ou difficiles de vies en passages heureux, celle plus large de la parenté, du clan et de la société québécoise, par ses revues et livres plus récents. Tout de ce lieu habité, permanent, aux traces cumulatives situées dans ce paysage minéral, forestier et maritime, à la fois rude et luxuriant, conquis il y a plus d’un siècle par des colons et des villégiateurs, tout de ce lieu témoigne de l’enracinement profond dans l’histoire familiale et cette terre des bas pays et du Québec. Il témoigne de la lenteur de ce patient travail qui a transformé le paysage et mené la mémoire jusqu’à aujourd’hui. Cette ancienneté relative du lieu, cette mémoire qui imprègne tout peuvent susciter parfois des sentiments mêlés, de plaisir mais aussi de lourdeur. La digestion du passé n’est pas si simple. On préfère oublier, faire comme si, de là un certain malaise mêlé de plaisir et d’excitation qui accompagne l’arrivée sur les lieux. De plus, cette histoire ne dit pas tout. Elle est centrée sur le clan dont le parcours épousait jusqu’à il y a cinquante ans celui bien typique d’agriculteurs et d’une petit élite intellectuelle régionale plus ou moins libérale d’idées, dont mon grand-père agronome et communicateur faisait partie.  Ce bref séjour a fait ressurgir une observation souvent faite, mais dont je ne tiens pas assez compte dans mon quotidien muséal : l’être humain, s’il a besoin de changement, s’il veut refléter son évolution dans la modernité et s’il aime se mirer dans le changement, il a besoin de lieux qui ne changent pas.  Les églises et temples, espaces publics, jardins, espaces domestiques qui persistent dans leurs formes originelles deviennent avec le temps de véritables capteurs de mémoire et des ponts entre les générations. En d’autres termes, du patrimoine ! Dans nos villes, depuis toujours, il faut à un moment où l’autre « moderniser » l’environnement. Oui, on le comprend, on l’apprécie.  Bien des architectures d’aujourd’hui nous donnent un sentiment de liberté et des plaisirs citadins que n’apportaient pas ces lieux avant leur transformation, surtout lorsqu’il s’agit de lieux en friche, de stationnement ou de terrains vagues. Chacun d’entre nous peut en citer plusieurs qui sont des cadeaux pour le citadin.  Pensons pour Montréal à la place des Festivals. Cependant, dans ce processus de changement, on minimise souvent le pouvoir des lieux au contraire, ne changent pas, et qui, en dépit parfois de leur relative jeunesse, quarante, cinquante ans, sont devenus à force de fréquentation et d’un brin d’oubli, intemporels, se chargeant d’une mémoire apportée par chaque personne qui le fréquente et y revient.  Le changement de ces lieux est souvent vécu comme un crime, non par ceux qui ne regardent que la forme, la fonctionnalité ou l’esthétique, mais par ceux qui les fréquentaient depuis des lunes. Transformés, ces lieux-repères de l’âme urbaine, avec leur patine, perdent toute leur charge mémorielle et émotive. Disparaît avec eux un bout de l’âme de la ville construite patiemment au gré de décennies de fréquentation et d’expériences. Il faudra au nouveau lieu des décennies avant de retrouver ce charme et cette force d’évocation secrètement aimée.  Je pense par exemple à ces lieux intemporels par excellence et qui veulent l’être, que sont les temples et églises, dans ce cas, à la chapelle de Bonsecours, dans le Vieux-Montréal. Autrefois sombre, couverte de toiles néobaroques et d’ex-voto assombris par un siècle de fumées de cierges et d’haleine de fidèles, elle était comme un écrin où il faisait bon se blottir parfois pour méditer. Sombre comme certains moments de notre vie, suintant une vision pessimiste de l’existence et en cela, en accord avec ce que la vie plus souvent qu’autrement apporte à l’être humain. Une fuite dans le toit ayant mis au jour le dessous des fresques d’origine au cours des années 1990, on décida d’enlever la couche récente et de révéler le décor peint quelques cent ans plus tôt sur la voûte de bois. Les scènes et les couleurs sont lumineuses, presque joyeuses.  Elles avaient disparu parce qu’elles n’étaient pas aux goûts du curé de l’époque, plus rococos et néobaroques. La chapelle fut restaurée, sa beauté cachée révélée et…toute une émotion existentielle lavée et perdue à jamais, une certaine âme du lieu aussi avec tous les souvenirs de générations qui l’avaient fréquentée.  Le résultat magnifique artistiquement fut néanmoins une perte de mémoire importante, seuls désormais les images filmées du 20e siècle pouvant rendre le monde et la piété dont témoignait le décor disparu. 

En exposition, nous minimisons souvent le pouvoir de la permanence (bien que dans des textes précédents, j’évoquais le problème contraire, les difficultés de communication provoquées par des expositions permanentes trop négligées!). L’exposition du Centre d’histoire de Montréal jusqu’en 2001 avait acquis ses fans, ses pèlerins comme l’ancienne exposition Mémoires du Musée de la civilisation. Sa perte fut durement ressentie par plusieurs, comme si sa seule présence était rassurante et un repère important, qu’on la fréquente ou pas. Ces permanentes sont là, on sait qu’on peut les retrouver avec les images et objets qui nous touchent, lorsqu’on en a besoin. Lieux de mémoire, sanctuaires aussi, à leur manière. Peut-être devrions-nous tenir compte de cet attachement lorsque les changements deviennent nécessaires pour d’autre considérations, efficacité, vétusté, usure, recherche de nouveauté, intégration du multimédia etc. En effet, les institutions muséales ne sont pas seulement des médias (ce qu’ils sont devenus aujourd’hui, tant mieux, comme je le répète souvent). Ce qui les distingue des autres médias, c’est cette relation étroite avec un lieu physique, avec une architecture, avec une cristallisation matérielle de valeurs, d’esthétiques, de visions du monde. Peut-être doit-on parfois laisser au temps faire son travail avec patience et donner à nos permanentes l’occasion d’acquérir une épaisseur historique et émotive qui transcende les générations. Pas facile. 

Les  grands musées ont les moyens de le faire sans nuire à leur modernité : leurs bâtiments antiques et certains éléments de leurs permanentes passent le temps parce que d’autres espaces peuvent, au même moment, s’adapter au changement. Ils ont aussi les moyens d’affirmer sur tous les tons et toutes les tribunes leur modernité qui attire la majorité des visiteurs. La chose est différente pour les musées de taille moyenne moins dotés en budgets de promotion. Qu’on choisisse la permanence ou cet éphémère qui convient mieux à notre époque, il néanmoins chercher à imaginer des manières de conserver à nos lieux leur esprit et la profondeur que le temps et l’attachement du public leur ont conférée.  Devrait-on faire des études à ce sujet ? Chercher à faire témoigner les visiteurs et les employés de ce qui dans le bâtiment et les permanentes fait partie malgré l’institution et les modes, d’un intangible et précieux héritage ? À suivre ! Jean-François Leclerc  Muséologue Centre d’histoire de Montréal 

La fonction intellectuelle du musée, Vadeboncoeur et la recréation du monde. 27 février, 2010

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 Plutôt qu’un acteur culturel apportant sa propre voix à nos débats de société, le musée est souvent perçu comme un loisir et une attraction touristique. Il se présente souvent avec l’élégante légèreté qu’on attend d’une activité ludique. Rien de plus normal pour un visiteur comme je le suis moi-même. Pourtant, le musée et son outil privilégié, l’exposition, peuvent, ou pourraient, jouer un rôle plus important dans l’incessant travail d’analyse et de reconstruction du monde auquel s’adonnent partout et de tout temps les intellectuels. Il y a deux semaines, mourait un grand essayiste québécois, Pierre Vadeboncoeur, ardent syndicaliste qui fut aussi un intellectuel hors des modes et un écrivain à la pensée et au style d’une exigence rare. Une phrase de Vadeboncoeur citée par l’écrivain Yvon Rivard, qui lui rendait hommage, exprime bien ce qui devrait nous motiver comme muséologues: «toujours chercher l’autre monde à travers l’apparence du nôtre». 

Pour s’aider à traverser le miroir des apparences, les humains ont inventé la culture, les arts, l’histoire, la science et tant d’autres savoirs; ils ont aussi créé des médiateurs culturels que comme la muséologie et les musées. Au-delà de tous les aspects pratiques et techniques de notre travail, dans lesquels le quotidien nous enferme trop souvent, il nous faut revenir sans cesse à cette responsabilité intellectuelle d’accompagner l’humanité dans sa connaissance de soi, du monde et de proposer d’autres rêves que les plus convenus pour lui permettre d’imaginer ses nécessaires métamorphoses. Comme l’écrit Rivard, « l’être humain, s’il ne veut pas subir son destin, s’il veut vivre librement, n’a d’autre choix que de travailler à l’élaboration constante des formes de la vie », (…)  « ce monde n’existe que si nous le créons sans cesse. » Pour nous, à la fois une mission et un programme. Voir :  Vadeboncoeur. Il n’y a qu’un royaume, Yvon Rivard, Le Devoir, 13 février 2010. 

http://www.ledevoir.com/culture/actualites-culturelles/282978/vadeboncoeur

Magasin, musée, marché aux puces : mettre en scène l’abondance 13 février, 2010

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Il y a quelques mois, après la visite d’une église, j’écrivais que la muséographie des temples de toutes religions fut certainement la première forme d’exposition qui soit.  Des emplettes dans une grande surface et une visite au marché aux puces me laissent aussi l’impression qu’il existe des similitudes et quelques différences entre ce que magasins et musées offrent à l’homo consommatus moderne, qu’il soit acheteur de biens utilitaires ou visiteur de musée. 

La grande surface, surtout celle qui promet de prix imbattables, se présente au consommateurs sous des dehors démocratiques et rassurants : une architecture fonctionnelle (son message : nos profits servent à rabattre les prix et non à payer du superflu), une esthétique minimaliste (message : c’est la marchandise qui vous parle, pas le décor), une propreté irréprochable. Le lieu se présente comme démocratique et sans chichi. Cette version moderne du magasin général met en scène l’abondance de ses produits en les disposant selon des codes en apparence logiques, mais selon une classification qui défie parfois la vôtre, peut-être à dessein de prolonger l’errance du consommateur et le mettre en contact avec ce que, au départ, il ne cherchait pas. Dans ce lieu, le consommateur vit une liberté qui l’hallucine : celle de pouvoir toucher, palper, jauger, contempler longuement ou se précipiter avidement sur un objet sans crainte de réprimandes. Le personnel est affairé, peu abondant et discret. Son plaisir de consommer – de jouir de l’objet, commence donc dès le début de l’emplette, alors que le rêve de posséder lui est encore accessible, de même que l’objet, de manière très sensible, et ce, tant qu’il n’a pas pris sa décision finale. S’il est seul, sa relation avec les autres consommateurs est minimale, inversement proportionnelle à celle qui le relie à un objet recherché, désiré, contemplé. En groupe, le consommateur fait de l’objet et de son coût, de ses goûts, dégoûts, étonnements, dépits le cœur des échanges. Sinon, peu ou pas de relation sociale dans le magasin entre les consommateurs qui ne se connaissent pas. 

En poussant son chariot vers la sortie, il se rappelle qu’il a vécu son périple dans un territoire privé, que son rêve de posséder sera réalité s’il passe avec succès la frontière infranchissable de la caisse. Le fait de payer mettra fin à sa rêverie de possession infinie, mais non à l’expérience de la consommation. L’objet chéri est désormais le sien, il le sera aussi longtemps qu’il ne s’en départira pas. 

Le musée met lui aussi en scène l’abondance. À la manière des grands magasins, nés à l’aube de la société d’abondance, au 19e siècle, les musées présentent une architecture distinguée (richement ornée ou plus dépouillée, classique, contemporaines) qui a la fonction, comme ces vénérables temples de la consommation, d’annoncer une marchandise de qualité et un service de connaisseurs. À la différence du consommateur, le visiteur de musée paye avant d’entrer. Il doit anticiper le plaisir de consommer, en espérant qu’il soit à la hauteur de ses attentes, mais surtout, consommer sur place par la contemplation, le jeu et la lecture. L’objet de musée est fortement chargé de sens. Au magasin, chaque consommateur investit de ses attentes symboliques et pratiques (en partie conditionnées par la publicité). Au musée, la valeur de l’objet exclu du monde utilitaire ou décoratif qui a déterminé sa production, est attribuée par le conservateur ou le spécialiste.  Ceux-ci,plus ou moins selon le cas, lui impriment le sceau d’un certain consensus social au sein de leur communauté d’intérêt et de leur société. Le musée, à la différence du magasin, organise la mise en scène de sa « marchandise » selon des codes qui ne sont pas seulement matériels (espace fonctionnel, conservation) mais intellectuels et savants : histoire de l’art, récit ou chronologie historique, courant artistique, œuvre. La liberté de déambuler du consommateur visiteur, ici, ne lui octroie pas l’illusion de posséder ou de pouvoir posséder. La distance entre lui et l’univers de l’art et du patrimoine est claire et infranchissable. L’objet est intouchable. Il ne peut rapporter du musée que des impressions, des souvenirs. Au mieux, il achètera un bibelot de la boutique, un erzatz de l’authentique objet qu’il a côtoyé. L’expérience du visiteur cesse dès le moment où il sort du musée. La possession matérielle de l’objet, celle qui permet au consommateur de poursuivre son expérience hors du magasin, est ici ce qui lui est interdit. Au dehors, finis l’histoire, l’art, le patrimoine, finie la science : la réalité quotidienne, son chaos ordinaire et l’esthétique personnalisée de son « home sweet home » reprennent leur place dominante.  L’objet reste au musée. 

S’il existe un lieu qui, à sa manière, combine sans le savoir les deux expériences de visiteur de musée et de consommateur, c’est peut-être l’hyperpopulaire marché aux puces. Quoi de plus étrange que le spectacle de ces lieux devenus le dernier recours avant la poubelle d’un patrimoine familial et domestique qui n’a pu assurer sa transmission. Le bazar semble abolir toutes les conventions et préventions communes au magasin et au musée tout en offrant le meilleur de l’un et de l’autre : son accumulation sans ordre ni prétention d’organiser (la pile, la juxtaposition, l’exposition sans vitrine), ni classement apparent, sa déambulation labyrinthique et parfois difficile, sa gratuité à l’entrée comme à la sortie, son atmosphère non aseptisée avec poussières et odeurs garanties, ces échanges animés avec les commerçants, le contact direct admis, même un peu rude avec l’objet. Au marché aux puces, la valeur de l’objet est celle que vous y mettez, de même que le prix, prétexte à un jeu de sur et de sous-évaluation qui se termine – ou pas, par un compromis. Au plaisir de tâter, jauger l’objet matériel, s’ajoute celui de l’échange, du jeu. Enfin, une fois l’entente conclue et les billets sortis de poche, ce morceau de nostalgie, de patrimoine, de design d’un autre âge vous accompagnera chez vous, prolongeant indéfiniment votre émotion. 

http://www.youtube.com/watch?v=kjTVAu-fIPI

http://www.journaldestmichel.com/article-260589-Un-marche-aux-puces-au-concept-tres-familial.html

Doit-on s’étonner de voir apparaître ou réapparaître le concept de réserve publique dans plusieurs musées actuels ? Cette sorte de magasin général sous vitrine offre désormais les trésors du musées à une contemplation ouverte à toutes les interprétations et les émotions, loin du discours savant des expositions. Le musée-reposoir des collections d’antan, qui paraissait si élitiste, avait-il hérité dans sa manière de mettre en scène l’abondance du monde, une façon populaire et sans prétention, accessible et attirante de présenter l’univers matériel ? Laquelle rejoint les humains de toute condition ? 

Le comportement du consommateur dans ses traits à la fois contemporains et archaïques, n’aurait-il pas beaucoup à nous apprendre sur notre manière de présenter, au musée, la civilisation matérielle des civilisations passées.

http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/luce/

Jean-François Leclerc

Muséologue

À l’ombre des expositions temporaires: les expositions permanentes 4 janvier, 2010

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Le monde des musées nous a habitués au glamour des expositions temporaires.  Ici comme ailleurs, on se déplace, on court voir ce qui nous est présenté comme incontournable et qui ne reviendra pas.  L’exposition temporaire mérite donc toutes les attentions du musée, ses efforts de marketing et de mise en scène du sujet.  

Pour le visiteur pressé que nous sommes, avec tant de choses à faire, deux heures max au musée, puis on magasine, on sort, ou on rentre faire le souper ou le ménage…C’est à peine si nous jetons un oeil sur la permanente. 

Mes vacances me permettaient enfin de m’offrir une trop rare visite libre dans un musée. Cette fois encore, un musée d’art, le Musée des beaux-arts de Montréal, moi aussi pour une exposition sur le peintre anglais John William Waterhouse.  La muséographie est comme toujours élégante et sert bien l’imagerie séduisante du peintre, sa palette colorée et son coup de pinceau très lisse. Le tout est on ne peut plus lisible et accessible à tous les publics. Il est probable qu’un certain public y trouvera même des harmonies involontaires avec l’univers ésotérico-antique-onirique des jeux vidéos qui marquent la culture populaire depuis de nombreuses années au point de se transposer au cinéma.

Le musée d’art offre ce que le musée d’histoire et de société a plus de difficulté à donner : l’expérience de la contemplation. Qu’on la comprenne ou pas, qu’on se méprenne sur l’œuvre ou pas, l’exposition d’art se donne à une observation libre qui ne demande pas à être confirmée. Le texte est présent, bien présent, (de plus en plus d’ailleurs), très prisé par les visiteurs qui s’agglutinent devant les panneaux d’introduction aux salles, mais à la limite facultatif pour celui ou celle qui souhaite se plonger dans cet univers visuel avec les quelques clés de compréhensions sommaires glanées dans le programme du  musée, la publicité ou les commentaires de proches et d’amis. Le musée d’histoire, quant à lui, a besoin du texte pour s’exprimer. Pour explorer l’exposition, le visiteur doit accepter de manier plusieurs outils, qu’on lui souhaite les plus conviviaux possibles. Le texte est un incontournable, car aucun objet, aucune image ou collection d’images ne suffiraient à rendre la complexité d’une époque ou d’un personnage. Cela peut éloigner bien des visiteurs qui n’aiment pas lire ou du moins, dans ces moments de loisir.

Mais venons-en au thème évoqué par le titre, les expositions permanentes, sujet que cette visite du MBA a remis en évidence pour moi. Dans la plupart des musées, mais encore plus dans les musées d’art, les expositions permanentes témoignent de l’histoire de la collection avec ses aléas, les goûts des donateurs et conservateurs successifs et d’une certaine vision de l’histoire de l’art.  Dans le cas des musées d’histoire ou de science, où au mieux ces expositions se renouvellent à tous les 8 ou 10 ans, au pire, à tous les vingt ans, elles présentent une vision du monde datée, en décalage avec les savoirs qui les fondent, ceux-là évoluant sans cesse au gré de la recherche et des débats qui animent les disciplines des sciences humaines et des sciences.  

Les expositions permanentes sont pourtant à mon avis, ou devraient être, une signature de l’institution.  Moins soumises aux aléas de la mode et des engouements populaires, elles devraient exposer la vision du monde du musée, ou du moins, son interprétation des savoirs disciplinaires.. Ce n’est pas toujours le cas. Voilà pourquoi, peut-être, les expositions permanentes d’art semblent si souvent impersonnelles et étonnamment aphones comparées aux temporaires. Pour l’amateur, le plaisir n’est pas moindre, car les œuvres sont là. Pourtant, le passage de la temporaire à la permanente crée l’impression de sortir d’une salle de fête où on est accueillis, accompagnés par un guide à l’intelligence vive, émouvant, avec de quoi boire et manger, pour entrer dans le vaste appartement d’un riche oncle neurasthénique et mal aimé qui accroche ses trésors sans les voir, qui les étale par époque sans comprendre ou nous faire comprendre ses choix, qui nous laisse les clés du lieu pour aller se recoucher aussitôt, en nous demandant de les replacer au retour.  Belle liberté qui nous incite à passer en trombe d’une salle à l’autre en toute vitesse avec pour seule compagnie les inévitables gardiens de la sécurité des œuvres et des droits d’auteur numériques…

Pourquoi une exposition permanente dans un musée d’art ne pourrait appliquer à sa collection permanente le même soin de séduire, d’expliquer et de convaincre que pour ses temporaires?  Pourquoi ne pourrait-elle oser nous offrir sa vision de l’histoire de l’art – forcément éphémère et en évolution, en renouvelant périodiquement son approche? Peut-être alors serait-t-il plus facile de convaincre le public friand de nouveautés de les fréquenter. Pour nos musées d’histoire contemporains, très muséographiés et interactifs, il faudra aussi trouver le moyen de créer des expositions permanentes qui pourraient traduire le mouvement de l’expérience et de la pensée de l’institution et de notre discipline de base.  Ceci plus souvent qu’aux dix ans.

Jean-François Leclerc

Historien et muséologue

Centre d’histoire de Montréal

Exposer = pasteuriser la vie 17 novembre, 2009

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expositionpiratespcallire.jpggpirates2.jpg Images tirées de:  http://www.pacmusee.qc.ca/pages/Expositions/temporaires/

Une visite de l’exposition Pirates, corsaires et flibustiers du musée Pointe-à-Callière, m’a rappelé une observation que je me fais fréquemment.   

Un des modules d’exposition nous montrait le processus de dégradation de l’eau potable sur un navire.  D’un contenant à l’autre, l’eau encapsulée se peuplait de petits êtres et prenait des couleurs peu appétissantes.  Simple mais efficace moyen de montrer concrètement les « conditions de travail » difficiles des marins et des pirates.  Mais à part ce procédé discret et parlant, tout le reste du thème était traité très proprement, comme dans ces livres pour enfants où la réalité est si joliment dessinée que tout devient beau et agréable, quelle que soit l’objet ou le thème abordés.

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Tout ceci n’a rien d’exceptionnel.  La plupart des expositions font de même.  Nous essayons en effet de recréer l’illusion du réel et d’en évoquer les apparences en prenant ses habits sans assumer son caractère imparfait, charnel, odorant et impur.  Dans nos expositions, l’humaine condition se détache soudain de sa matérialité pour devenir spectacle et objet de contemplation esthétique.  La graphisme et le design y contribuent grandement, comme les matériaux bien assemblés et polis qui servent de support aux images, textes et objets. 

Toutes nos histoires deviennent alors des contes pour adultes qui au mieux, touchent ou informent, mais rarement remettent en contact avec la réalité évoquée.  Comme au théâtre, ce contact passe par la vue, l’esprit et le coeur mais bien peu par le corps du visiteur qui traverse nos représentations de son monde et de son passé, comme un fantôme déambule sur les lieux qu’il a jadis habités sans pouvoir jamais les toucher.  Si peu retrouve-t-il l’expérience de la matérialité pas toujours confortable qu’il vit au quotidien. 

On pourrait dire qu’en général, l’exposition « plastine » la réalité, comme le Dr Von Hagens le fait avec les corps.  Elle l’exprime en la transcendant, comme tout art cherche à le faire.  Mais ce faisant, ne perd-elle pas ce qui pourrait la différencier des autres médias de communication, ne s’éloigne-t-elle pas de ce contact direct que permettrait la matière et l’objet authentiques dont elle a hérités ainsi que l’espace et les trois dimensions de son lieu muséal? 

 Lorsque les critiques du musée le dénonçaient jadis comme un cimetière et un reposoir, ne faisait-il que décrier ses méthodes dépassées et ses moyens de communication désuets, ou touchaient-ils avec justesse cette relation distancée du musée avec la vie?  Peut-il en être autrement? Le visiteur, dans le théâtre muséal qui transforme le chose la plus banale en attraction, ne souhaite-t-il pas qu’on le sorte de son destin de mortel pour le projeter pendant quelques minutes dans un quotidien transfiguré?  Peut-être. 

Que l’eau continue donc à croupir, emprisonnée dans quelques capsules de verre, afin que nos expositions demeurent bien protégées de la vie comme de la mort. 

Jean-François Leclerc

Centre d’histoire de Montréal

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